Curaduría, montaje y producción aplicada.
Cátedra dictada durante el primer cuatrimestre del año 2013 en 3er año de la Escuela Superior de Educación Artística en Artes Visuales Lola Mora.
La definición de obra contemporánea aparece,
más que como una certeza que fija un significado, como una pregunta que ensancha
los contenidos de esta definición. Una nueva concepción de obra, de
artista y de espectador implicó un cambio en las funciones de las Instituciones.
Ya no con el único objetivo coleccionar tesoros artísticos o desempeñarse como el
resguardo de la cultura de otras épocas, sino que se transformaron en lugares
actuales, de encuentro y de reflexión, de educación, de crítica y de pugna
entre diferentes relatos.
El curador surge como un narrador que
construye un relato entre otros que se ponen en cuestión. Reúne fragmentos de
cultura y los agrupa coherentemente para que nos digan algo más en conjunto que
separados. El curador arma una exhibición y, al mismo tiempo
construye una línea de pensamiento.
En este punto de la carrera, es
fundamental para el alumno acercarse a estos modos de enunciación artísticos.
Analizar y comprender el armado de una exhibición tanto en su aspecto
conceptual como material implica, también, ser capaces de presentar su propia
producción en base a lineamientos
coherentes y prácticos, implica un vínculo entre las demás asignaturas del
profesorado y contribuye a la formación del alumno tanto para un futuro rol
docente como para su actividad artística.
Durante 2013, la producción de los alumnos fue la siguiente:
Damián Santarán
Damián Santarán
En el siguiente
trabajo se han elegido cinco imágenes planteando una narrativa a través
de lo que cada una trae. Teniendo en
cuenta que las imágenes dicen más de lo muestran y a su vez dispuestas en conjunto
ofrecen distintas lecturas e intensiones.
La primera imagen
es Carlos Fuentealba (42años), un maestro de Neuquén que fue asesinado el 4 de
Abril de 2007 cuando participaba de una protesta docente.
“…Los docentes de la provincia
estaban en conflicto desde hacía un mes, con el reclamo de un salario básico
acorde al costo de la canasta familiar. La policía, por orden del gobernador de
la provincia, Carlos Sobisch, tenía la orden de reprimir el corte de ruta.
Fuentealba se encontraba dentro de un auto, sentado en el asiento trasero,
cuando un policía hizo fuego contra él; el cartucho atravesó el vidrio del
vehículo y le pegó en la nuca, provocando su muerte días después…”[1]
Cabe aclarar que de la imagen seleccionada, elegí
sólo un fragmento el cual esta retocado digitalmente, quedando así en blanco y negro.
Ésta es utilizada en un blog de internet que corresponde a la Agrupación John
William Cooke acompañada por una leyenda
que dice: 6 años (en color rojo), seguimos pidiendo justicia (en color negro) y
de fondo un plano blanco .Dicha agrupación propone la imagen con la intensión
de reivindicar la lucha docente y la búsqueda de una justicia para los
familiares (y la sociedad). La imagen original es un registro fotográfico
tomado dentro de una institución escolar, donde se puede ver de fondo
mobiliario. La misma fue difundida en los noticieros cuando el crimen era aun
reciente, con la intención que se identifique a la victima de manera natural. Puede
que se haya retocado con la intensión de hacer otra lectura, es decir hoy en
día, no hace falta dar a conocer el caso (ya que es conocido) sino profundizar
en cuestiones judiciales. Por lo tanto la imagen que elegí apunta hacia ese
lado. En la actualidad parece no haber ninguna imagen ingenua. Es decir, están
porque buscan algo y/o tienen algo para decir.
La segunda imagen corresponde a Luciano Arruga (16
años), un pibe de Lomas del Mirador que está desaparecido desde el
31/01/09. Ha sido sacada de un blog
realizado por los familiares y amigos de la víctima. La misma posee una
intencionalidad estética que remite a lo publicitario. Ese recurso ha sido
realizado por primeras marcas del mercado (Nike, entre otros) donde la figura
(en este caso rostro) aparece compuesta por tipografía específica. Utilizando
el texto como”dibujo”, se llega a una síntesis, para dar un mensaje. Es decir leyendo
el texto se visualiza lo representado. Por lo visto las imágenes seleccionadas
de un blog tienen un tratamiento
distinto al que por ejemplo da otro medio de
comunicación como la televisión. En este ultimo la imagen tiene que tener una
lectura dinámica en cambio del primero uno accede allí con cierto interés por
el tema, y el tiempo de lectura no es el mismo. La imagen ocupa una función persuasiva,
de acuerdo al mensaje.
”….La última vez que ha sido
visto con vida fue en el destacamento policial de dicha localidad. Tiempo antes
de ser secuestrado, los efectivos del Destacamento le habían ofrecido robar
para ellos en zonas liberadas. Por negarse Luciano comenzó a ser
sistemáticamente detenido y hostigado. Se Pide que la carátula de la causa
cambie de "Averiguación de paradero" a "Desaparición forzada de
persona", y que los 8 policías implicados sean juzgados….”[1]
En la tercer
imagen aparece Mariano Ferreyra (23 Años), que era dirigente de la Federación
Universitaria de Buenos Aires (FUBA) y militante político en la estructura del Partido Obrero
(PO).Fue asesinado en Octubre del 2010 de un disparo en el pecho, en una
manifestación de trabajadores tercia rizados, de la Línea Roca donde se exigía
el pase a la planta permanente.
Estamos ante un esténcil,
técnica gráfica, que sirve para reproducir la misma imagen cuanta veces sea
necesario, mediante una plantilla y aerosol. En la actualidad se lo considera
un lenguaje dentro del grafitti. La misma está compuesta por planos positivos
(negro) y negativo (blanco).
Como también en
los casos anteriores, no conocemos a quienes hicieron las imágenes, pero si alguien
las diseñó, y están hechas para el consumo de masas pero lo que predomina es el
mensaje y la respuesta que se consigue con el mismo. Esta imagen en particular es
utilizada en las marchas y manifestaciones del campo de la política donde se
reclama justicia por el asesinato. Dentro de las estructuras de los partidos se
disputan “cierta autonomía”, para darla a circular, ya que el PO no quiso que “La Campora” la utilice debido a la responsabilidad política que se le adjudica al oficialismo.
La imagen implícitamente dispara distintas lecturas y relaciones dentro de un
recorrido ideológico (o no).
La cuarta imagen
corresponde a la tapa de un película tipo documental llamada “El Rati horror
Show” (2010) de Enrique Piñeiro.
“…Dicho director se caracteriza
por realizar un cine de denuncia. El caso es de Fernando Ariel Carrera, un hombre condenado injustamente a treinta años
de cárcel a través de la manipulación de
una causa judicial. Por su parte la policía alteró evidencias en el lugar de
los hechos, pericias, y se manipularon testimonios de los escasos testigos
llamados a declarar…”[1]
La prensa
denominó este hecho como “La masacre de Pompeya”, afirmó que fue “Una condena
ejemplar” y reprodujo información sin chequear la fuente, (basándose en los
dichos policiales).
Dado que la
realidad, es una construcción y que la verdad
no existe sino existen hechos, y sus diferentes interpretaciones. Es
interesante analizar el sentido de “contra-información”.
Hasta el momento se había naturalizado el acontecimiento dándolo por hecho. La
propuesta audiovisual invita a tomar cierta distancia, dando un margen para
generar una mirada crítica. Luego de ver
la película lo más probable es que haya una modificación de aquel supuesto. Mas
allá que uno comparta o no, es necesario dejar en claro que tantos los medios
de comunicación y los lenguajes visuales (artísticos, o no) plantean construcciones.
No se pone en discusión si es verdad o mentira sino construcción en función de
un objetivo.
La imagen plantea
un niño apuntando (con su brazo izquierdo) un arma, a la frase que le da título
al proyecto.“El Rati horror show” en su tipografía realiza una cita a la película
de culto llamada “The Rocky Horror Picture Show” (1975); a su vez ésta se basa en
un musical. En sí se la podría considerar un musical que satiriza a las
películas de ciencia ficción. En este caso la relación que establece el
director se puede leer como una especie de parodia vinculando el show
(horroroso) montado por “los ratis”. La construcción de una “realidad ficcionada”. La historia, está narrada por “El
Criminólogo”, que tendría cierta similitud con el rol de Piñeiro. La tipografía
del afiche tiene una estética de Transilvania, lugar relacionado con los
vampiros y por ende a la sangre. Es por eso las mismas chorrean sangre. En
cuanto a la imagen del niño también es un esténcil (no se sabe el autor) pero
su acción (y estética) acentúa aun más la idea crimen, realzando el sentido.
Cabe rescatar
para este trabajo el planteo surgido en cuanto si: ¿“Gatillo fácil” y/o “inseguridad”…
son dos problemas o es uno solo? Para mí no hay una sola respuesta y no se los
puede pensar como opuestos o separados sino interrelacionados. Si uno se mueve
modifica al otro y por consecuencia a su contexto.
La quinta imagen
es un fragmento de la tapa de un disco Metallica llamado “…and justice for all”
(1988), banda de thrash metal originaria de Los Ángeles (1981). Para este
trabajo sólo se selecciono un fragmento. A su vez éste ha sido intervenido, rompiendo la parte
superior con la intensión de remarcar aun más el deterioro que representa y
simboliza la imagen. La inclinación de la figura se debe a la tensión de las
cuerdas que la inmovilizan y parecen querer derribar. Lo que menos transmite
esta imagen de la justicia, es equilibrio. El “no” sentido pasaría a tenerlo.
La portada en su
totalidad muestra la estatua de la dama de la Justicia agrietada, atada con
cuerdas, con los pechos al descubierto y con su balanza llena de dólares
cayéndose. En la parte superior aparece el logotipo, con el nombre de la banda,
y en el margen inferior derecho aparece el antes mencionado título del álbum. Las
mismas están escritas al estilo grafitti. La traducción de la frase:”…And
Justice For All es un tanto confusa en el sentido de la pronunciación. Porque a
veces se la interpreta como Unjustice for All que seria, Injusticia para todos. Se dice que el título
del disco tiene relación con el juramento a la bandera de los E.E.U.U. que traducido
al Español seria: …''Juro lealtad a la bandera de los Estados Unidos de
América, y para la república que representa, una nación bajo Dios, indivisible,
con libertad y justicia para todos…” En el tema número dos (que le da nombre al disco), la banda
sostiene que manipulando se ha hecho justicia.
A modo de cierre,
el recorrido de las imágenes deja en evidencia, diferentes modos de violencia
(no siempre física) que la policía, estructuras políticas y el poder judicial
ejercen sobre la sociedad. Teniendo en cuenta que muchas veces no son “acciones
visibles”. El trayecto abarca casos donde se manda a reprimir, una desaparición
de persona, zona liberada, entre otras cosas, donde la justicia pierde
autonomía para defender los derechos de las personas. Que no se puedan
dilucidar los hechos, tiene que ver con que involucran intereses, que
afectarían a los que provocaron las injusticias. La intensión de ésta propuesta
visual es reflexionar y tomar un posicionamiento al respecto para que no siga
siendo así.
[3]
http://www.lamella.com.ar/index.php/eneob/294-carlos-fuentealba-un-ejemplo-de-lucha
Las mujeres de Gustav Klimt
Cristian Parano
Gustav Klimt (Viena, 1862 - id.,
1918) se formó en la escuela de artes aplicadas de su ciudad
natal y triunfó como autor de grandes pinturas decorativas en un estilo de
corte academicista. En 1897, su interés por el arte de vanguardia lo llevó a
abandonar la Asociación de Artistas Vieneses y a fundar, con algunos amigos, la
famosa Secesión Vienesa, de la que fue el primer presidente y máximo exponente.
La Secesión vienesa es el estilo modernista austríaco. Pertenecían a la
Vereinigung Bildender Künstler Österreich (Asociación de artistas de las artes
visuales de Austria) y buscaban el regreso a las formas y estilos del pasado,
ya que la era industrial estaba llegando a Europa y temían que el arte se
“industrializara”.
En las figuras femeninas, que
constituyen lo más conocido y valorado de su producción, supo combinar el realismo del retrato con un
deportivismo extremo en los fondos y los vestidos, en los que predominan los
tonos amarillos y dorados y los motivos inspirados en las alas de mariposa o
las colas de pavo real.
En este recorrido por sus
obras veremos cómo se puede hablar de la mujer de distintas maneras desde una
misma mirada, la del pintor.
Judith I es la primera obra del “periodo dorado” de Klimt, en donde el artista utiliza hojuelas de oro en sus óleos. El hermano del artista ayudó con el marco de Judith I, también cubierto de hojuelas de oro, donde se lee el titulo original de la obra: Judith y Holofernes. Sin embargo, este título es casi irónico porque la obra no muestra dos personas interactuando, sino que Judith cubre casi toda la composición y, de Holofernes, solo se ve la cabeza.
La historia de Judith y
Holofernes se narra en el libro de Judith, perteneciente al canon de la biblia
católica. La trama se desarrolla en medio de una invasión babilonia al pueblo
de Betulia, en el actual territorio de Israel. Judith, una joven viuda de clase
alta y hermosas facciones, deslumbra al general del ejército babilonio,
Holofernes. Haciendo uso de su belleza, la protagonista se infiltra en las
filas enemigas hasta que consigue una audiencia con Holofernes, quien la invita
a cenar. Durante la comida, Judith le da de beber en exceso y, una vez en la
alcoba, Holofernes, completamente borracho, cae en un sueño profundo. En ese
momento, Judith asesina al general con alevosía, cortándole la cabeza; acción
que deja al ejército invasor sin su líder y precipita la victoria del pueblo
judío. Aquí vemos la representación de una mujer fuerte y provocativa, no solo
por su historia si no por su postura en la obra, triunfante sosteniendo como trofeo la cabeza casi ignorada de
Holofernes.
Madre e Hija, detalle de “Las
Tres Edades de la Mujer” es un fragmento siempre recortado de su obra completa, la cual relata
las diferentes etapas de la mujer, perdiendo así parte de su significación. En
el cuadro original se ve un cuerpo femenino de avanzada edad, deteriorado por
el paso del tiempo, con la cabeza gacha tapándose la cara con su mano izquierda
en señal de vergüenza y a su lado vemos una madre joven y bella con su hija en
brazos. En este detalle se observa a la
mujer en su rol natural como madre, como figura contenedora y acogedora.
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Pintura de Palas Atenea, diosa
de la sabiduría, nacida de la cabeza de Zeus. Atenea es la diosa de la guerra y
de la sabiduría, decidió mantenerse siempre virgen por lo que no se unió con
ningún Dios o mortal. Es hija de Zeus y Metis (primera esposa de Zeus) y
cuentan los relatos que nació ya siendo una mujer con su armadura puesta, lista
para la batalla. Uno de sus emblemas es la lechuza, la más sabia de las aves.
Es la protectora de la ciudad de Atenas, Esparta y de la periferia Ática,
además protegió a algunos héroes como Odiseo y Heracles.
Aquí vemos la representación
de la mujer guerrera, símbolo de poder y justicia, protectora y sabia.
Danae, está inspirada en la
mitología griega, era hija de Acrisio, rey de Argos. El oráculo había
pronosticado que el hijo de Danae mataría a Acrisio, por lo que éste encerró a
su hija en una torre de bronce, al cuidado de una anciana y alejada del mundo.
Sin embargo, Acrisio no pudo evitar que su hija fuera seducida por Zeus, quien
convertido en lluvia de oro, la fecundó y engendró en Danae el hijo no deseado
por Acrisio. El recién nacido sería llamado Perseo.
Puede pensarse que el
recogimiento de la figura se corresponde a una joven dormida, que todo es un
sueño, esta teoría avalaría una hipotética violación de Zeus, o la posición
acurrucada de la mujer un acto de autoexcitación siendo ella misma quien se
acaricia y da placer. En sí, podemos decir que la obra muestra a la mujer en el
acto sexual, la cual se concentra en un momento de extremo placer expresado por
el rostro de la chica.
El beso, una representación
simbólica del momento en que Apolo besa a la ninfa Dafne que se está
convirtiendo en laurel, de acuerdo con el relato de la metamorfosis de Dafne
que se encuentra en la obra de Ovidio. En cuanto a la figura masculina su ancho
cuerpo y su actitud de dominio son dos elementos claves en la composición,
interpretada a veces como una escena protagonizada por el propio Klimt y su
buena amiga Emile Flöge. Quizá el elemento más extraño sea el precipicio,
símbolo de peligro al que podía dirigirse la relación, por lo que la mujer se
aferra con sus pies a la pradera. El gesto de la mujer también ha sido
interpretado como rechazo ante la agresión al que la somete el hombre,
intentando evitar el dominio masculino sin un resultado positivo. Podríamos
considerar, en este caso, una muestra del "fracaso" de la lucha
femenina por la emancipación que ya se estaba dando en aquellos momentos.
Podemos decir entonces que en esta obra tenemos un doble relato sobre la mujer,
tanto la mujer amada y deseada como la mujer sometida.
Relato a partir de 5 imágenes
Ana Gonzalez
¿Cómo puede relatarse una
historia a través de algunas imágenes? ¿Puede verse de ésta manera una amistad?
¿Describirse?... Eso se intentará llevar a cabo en este trabajo: Relatar 15
años de la relación entre dos personas, una de ellas; Yo, Ana Gonzalez, o
“Anita” y la otra es mi amiga, Amanda Aluminé Vazquez, o “Amy”. El relato
comienza con una imagen del año 1996, cuando nos conocemos y como se podrá ver
más adelante en el mismo jardín aprendíamos a escribir; y termina con la una
foto de una pava en una parrilla en un parque en el mismo barrio en el que se
lleva a cabo nuestra amistad y su historia.
La primera imagen seleccionada
es una reproducción del año 1996 de la hoja de un cuaderno mío que corresponde
a sala de 5 años, nombrada como “sala amarilla” y se encontraba en el jardín de
la escuela pública nº 13, “Dr. Alfredo Lanari” del Distrito Escolar nº 21, en
el barrio de Villa Lugano, donde vivimos desde entonces Amy y yo. En ese
año es cuando nos conocemos. La hoja de
este cuaderno, pareciera remitir a una suerte de documento que data nuestro
encuentro o fecha con carácter de registro aquella época en la que Amy y yo nos
conocimos y comenzamos nuestra amistad, mientras aprendíamos escribir, por eso
es que todas las palabras se encuentran en imprenta mayúscula y yo creería que
están basadas en alguna tarea relacionada con escribir palabras que empiecen
con la misma letra que nuestro nombre o simplemente que empiecen con “A”. Por
consiguiente se encuentran un conjunto de palabras, dentro de las cuales está
“Amanda”: nombre que supongo no conocería o no hubiese escrito si no la hubiese
conocido.
La segunda imagen es una foto
de mi autoría, sacada en el año 2011. La flor elegida se llama “flor de
copete”. Seleccioné esta imagen ya que es una foto de la flor de una planta que
Amy me había regalado para mi cumpleaños número 20 (a fines del 2011), la cual duró bastante poco con
vida ya que no le dedique el tiempo ni el cuidado suficiente. Por aquellos
momentos yo comenzaba a practicar fotografía de una forma más plástica que lo
usual y estrenaba mi cámara sacando fotos a las flores de mi casa, entre ellas
quedo guardada ésta.
A mediados del 2012 mientras
estaba en receso por parte del ISFA Lola Mora dedicaba mi tiempo libre a hacer
grabados en pequeño formato, y pensé en regalarle a Amy un grabado ya que se
acercaba su cumpleaños (en octubre), pero no quería que sea cualquier imagen,
sino que pensaba en alguna que tenga cierto sentido o significado al
regalárselo. Por eso, aunque no fui muy original, edité una foto de hace
aproximadamente siete u ocho años de algún verano en el que tomábamos mate en
la puerta de mi casa durante nuestras tardes, y así pasábamos los días juntas,
cosa que ya nos cuesta repetir por las responsabilidades asumidas como personas
(casi) adultas. Entonces la tercera imagen que originalmente era una foto de
aproximadamente el año 2006 fue convertida en una xilografía (grabado en
madera) de un detalle de dicha imagen con nuestros retratos. En principio este
grabado llevaba escrito: “exlibris A-MI AMIGA”, haciendo referencia a “Amy” en
el juego de palabras. Más adelante estas palabras desaparecieron por una
cuestión plástica. Debo aclarar que los exlibris según la historia se empiezan
a usar como suerte de firma de editorial como símbolo de pertenencia. Eran
pequeños grabados de aproximadamente dos por dos centímetros pero más adelante
se empezaron a usar, (también con el sentido de pertenencia) para dedicarlos a
personas o cosas. El tamaño máximo de dichos grabados es de trece por trece
centímetros y debe estar en estas matrices la palabra “exlibris”, el nombre del
autor y el nombre a quién es dedicado para ser considerado como tal. Ésta
imagen fue creada (y regalada) entonces en 2012.
La cuarta imagen, al igual que
la descripta anteriormente, es un grabado aunque con otra técnica. En este caso
es un xilocollage, es decir un collage de relieves y texturas sobre una madera
armando así la matriz. Se puede ver que en esta estampa se usaron colores
totalmente saturados; azul, verde, amarillo, naranja y rojo. Es evidente que es
una composición de una figura realista que representa a una mujer sentada en
una silla, con una especie de paño sobre sus piernas, aunque no llega a
distinguirse bien su plano de apoyo, también parecería que está flotando por
encima de la mujer, quien que se distingue bien del fondo por los colores, por
la textura y por la cantidad de materia. Para esta obra en especial se usó
principalmente gasa, lo cual le da la textura casi uniforme en todo el
trabajo, lanas e hilos que funcionan
como límite entre figura-fondo y también acompañan dando la sensación de otra
textura en los planos naranja del fondo y verde en la silla. Esta imagen según
su autora fue producida hace varios años, cuando cursaba el secundario en el
Lola Mora, hace alrededor de ocho o nueve años, siendo éste un trabajo de la cursada.
Al revés del grabado anterior, éste es un regalo que me hizo Amy a fines del
año 2012 para mi cumpleaños número 21
acompañada por una breve carta y la cita de una poesía de José Martí
“Versos del alma”.
La última y más reciente
imagen elegida es la foto de una pava encima de una parrilla en un día de
vacaciones de verano compartido con Amy y otra amiga en común… Actualmente no
sólo compartimos espacio de estudio como es el ISFA Lola Mora -otra excusa que
nos une- sino que seguimos compartiendo charlas, mate y amistad. Fue sacada por
mí, y elegida dentro de esta selección de imágenes porque si ella no hubiese
estado en esa tarde, no creo que hubiésemos calentado el agua para el mate de
esa manera, es decir, aquello que se expresa a través de la foto simboliza
parte de su personalidad como única cualidad.
Retomando las preguntas
planteadas al comienzo de éste ensayo, puede decirse, que éste recorrido lineal
a lo largo de la historia de nuestras vidas puede ser una forma de relatar
brevemente una amistad a través de la selección de cinco imágenes que
atraviesan éstos últimos 15 años de Amy y míos.
Leonardo
Almanza
A partir de la década de los 60s artistas
plásticos y fotógrafos que no estaban dentro del circuito musical fueron
llamados por músicos o productores para ilustrar la tapas y diseños de sus
discos, repasaremos algunos de estos artistas y las portadas de estos discos
que marcaron el camino para esa moda de reproducción y nuevo formato que se
afianzaría desde aquella época hasta
nuestros tiempos.
Empezaremos con un disco del músico
popular argentino Palito Ortega titulado “Un muchacho como yo” del año 1967.
Ramón Bautista Ortega, tal su verdadero
nombre, nació en el ingenio Mercedes, en la provincia de Tucumán el 28 de
febrero de 1942. A fines de 1962 fue integrado al Club del Clan,
transmitido por Canal 13, en donde su canción más popular fue “Despeinada”. Por
su parte, Ortega introducía a su repertorio temas como “Bienvenido amor”,
“Media novia”, “La felicidad” y “Camelia”.
Carlos Alonso un artista plástico dibujó
el rostro en carbonilla de Palito ortega para la portada del disco “un muchacho
como yo”, Alonso un egresado de la academia Nacional de Bellas Artes a partir
de esta tapa empezó a colaborar con otros músicos populares como Mercedes Sosa
y Armando Tejada Gómez. Para la portada del disco el artista plástico realizo
una obra de retrato clásica, para la cual utilizo la técnica del dibujo de
carbonilla sobre papel madera, la imagen de Palito Ortega mirando al frente es
de las típicas tapas de discos de los artistas populares de aquella época.
Alonso no tuvo más que reproducir los estándares de una industria marcada por
los cantautores de los años 60s.
Pasaremos al disco “Cheap thrills” de
los Big Brothers and the holding company banda de la cantante Janis Joplin lanzado en el año 1968.
Joplin fue una cantante estadounidense de rock and roll y blues
caracterizada por su poderosa voz y su espíritu rebelde nacida en el año 1943 y
fallecida en 1970.
La portada del disco “Cheap thrills” fue creada por el dibujante
underground Robert Crumb utilizando el estilo de las tiras de prensa de
comienzos del siglo XX, Crumb abordaba abiertamente en Zap Comix el sexo y la
crítica política, lo cual resultó enormemente transgresivo en aquellos años,
sobre todo teniendo en cuenta que el cómic en Estados Unidos había estado
tradicionalmente orientado hacia el público juvenil. Crumb alcanzó con
ello una gran popularidad, y recibió encargos para diseñar portadas de discos
de rock, aunque se negó en varias oportunidades rechazando por ejemplo a los
Rolling Stones. Para la portada del disco Crumb no cambio su estilo y realizo
una página de historieta con viñetas en la cual desde sus globos hace cuenta de
los integrantes de la banda e información necesaria. A diferencia del la
portada del disco de Palito Ortega, Crumb, utiliza su caligrafía siendo esta
tapa creada en enteramente por el artista, incluso el sello discográfico.
El autor de
este disco es el músico polifacético Frank Zappa, nacido en el año 1940
estadounidense y fallecido en 1993 creó un estilo de música que mezclaba
composiciones teatrales con letras que hacían hincapié en la parodia y el
humor, así que no es estaño que Frank Zappa buscara al artista Neon Park para
crear el arte de tapa de su álbum. Park creo su portada parodiando un anuncio
de una afeitadora eléctrica de una revista de los años 50s. A pesar de ciertas objeciones, la portada
salió sin cambios. Esta portada del disco a comparación de las demás no tiene
el nombre de la banda sino solamente el nombre del disco en el globo del medio.
Al ser Frank Zappa un músico con seguidores muy específicos sabían que la
imagen creada por Neon Park se identificaría inmediatamente con el estilo del
músico no haciendo necesario la referencia del nombre, solo lleva la firma de
artista que creó la tapa disco de “Weasels Ripped My Flesh” .Neon park se gano un lugar no solo como creador
de portadas de discos sino también de posters y publicidades.
Para el disco debut de Patti Smith “Horses” de 1975 eligió
a su amigo fotógrafo Robert Mapplethorpe, la portada es un retrato con luz
natural .El triángulo de luz en la pared fue producto de la luz del atardecer.
La compañía discográfica quiso hacer varios retoques, incluyendo quitar la
pelusa del bigote de Smith, a lo que ella misma se negó.
La imagen de
esta portada del disco sobresale por la sencillez de una foto en blanco y
negro, solo ella, su nombre y el nombre del álbum muy escueto en la parte
superior derecha y por la calidez que le da el retrato de la artista al mirar a
la cámara. El disco titulado “Horses”, traducido al español como caballos, hace
referencia a la fuerza y a lo salvaje, por lo tanto, el fotógrafo amigo de la
música, conociéndola, no le hizo falta más que unas tomas para reflejar esos
sentimientos que transmite ella y su disco.
En la última
imagen tenemos un disco de los Rolling stones titulado “Love You Live” Es el tercer álbum en vivo oficial de la banda.
Lanzado en septiembre de 1977. La portada de este disco muestra al cantante de
los Rolling Stones Mick Jagger en un plano corto mordiéndose la mano. Diseñado
por Andy Warhol, este disco resalta esa característica del pop art de poseer
planos de colores muy brillantes y relación con la caricatura y los cómics al
tener una línea que contornea la figura. Los planos son más asimétricos y se
realiza un recorte de la imagen.
Que el disco
de la banda sea de un recital en vivo
influyó en el diseño de esta tapa, el dibujo tiene movimiento, quiere
transmitir la euforia de tocar en vivo, la tranquilidad de esa mano mordida por
esa cara nerviosa del cantante. No hay que dejar de lado que los discos eran en
vinilo, estos son de un tamaño grande que genera otra perspectiva sobre las
tapas de los discos.
La relación de estas imágenes en su
conjunto es la unión entre la música en formato disco y las imágenes de las
portadas realizadas por artistas plásticos, fotógrafos y caricaturistas de la
década del 60 y del 70. Esta relación, este cruce de artistas de distintas
ramas, se fue fortaleciendo a través de las décadas ya que las portadas de los
discos son un icono ineludible de imagen, música y mensaje.
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